극장은 최초의 관중이 나타 났을 때 형성되었으며, 그는 불에 뮬러를 보는 데 관심이있었습니다. 이 예술은 관객들과 함께 수세기에 걸쳐 진화 해 왔습니다. 이 프로세스는 현재까지 변경되지 않았습니다. 또한 무대에서 일어나는 일이 종종 시청자의 생각과 지적보다 앞서서 비정상적인 형태로 표현되는 아이디어를 제공합니다. 다시 말해, 극장은 제작자가 시청자 수준으로 떨어지지 않고 스스로를 높이는 경우에만 발전합니다.
사용 설명서
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"극장"은 광경과 광경을위한 장소입니다. 어쨌든 그리스어 "theatron"은 바로 그런 의미입니다. 고대 그리스인들은 극장 자체를 만들기 전에도 세상에 뿌리를 내리는 이름을 주었다. 그들은 그들이 숭배하고 그 영광으로 첫 공연 게임을 주선 한 데메테르, 코레, 디오니소스와 같은 신들에 의해 승인되었습니다. 실제로 후자는 와인 양조 문화를 보호하는 것 외에도시와 극장을 포함한 모든 창조적 표현에 대한 후원 기능을 담당했습니다.
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고대 그리스 극장은 전 세계가 극장 임무의 중요성을 이해하도록 돕습니다. 이 예술의 직업은 중요한 국무였으며, 전문적으로 연구 한 시인과 배우는 국적자로 간주되었습니다. 그리스인들은 극장을 매우 진지하게 받아 들였기 때문에 처음에는 비극 이외의 다른 것으로 바꾸지 않았습니다.이 비극은 종종 염소 가죽으로 묘사 된 "염소의 노래"로 번역됩니다. 이후 코미디는 전국에서 유일한 코미디언 인 아리스토파네스 (Aristophanes)에 출연했습니다. 그러나 아리스토텔레스의 가벼운 손으로 코미디는 즉시 가장 낮은 장르로 간주되기 시작했습니다.
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기원전 534 년 대 디오니 시우스 (Great Dionysius) 시대 월드 극장의 공식 개막이 시인 인 페 스피드 (Fespid)가 배우를 끌어 들여시를보다 엄숙한 소리로 암송했습니다.
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아테네 시인들은 암송 자들을 끌어들이는 개념을 좋아하여 경쟁자들보다 더 나은 서비스를 차례로 사용하기 시작했습니다. 극작가 Aeschylus는 일반 합창단에 2 명의 암송자를, 소 포클 3을 추가했습니다.
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로마 시민들은 그리스와 달리 극장 예술이 낮고 거의 부끄러운 것으로 간주했습니다. 처음에 그들은 그리스인들로부터 많은 돈을 빌렸다면, 시간이 지남에 따라 극장의 예술은 그들로부터 열화되었습니다. 로마인들을위한 무대에서 중요한 것은 작품의 극작가가 제시 한 생각이 아니라 오락이었습니다. 따라서 검투 전투는 대중에게 매우 인기가있었습니다. 가장 좋은 예 중 일부는 마임과 판토마임의 표현이었습니다.
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그럼에도 불구하고, 대부분의 경우, 고대 그리스 작품을 무대에서 재 작업했지만 로마 극장은 Seneca, Plavt, Ovid 및 Apuleius와 같은 극작가들에 의해 몇 가지 불멸의 작품을 세계에 선보였습니다.
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중세 초기, 기독교에 대한 공격적인 공격이 진행되는 동안, 이 극장은 사회의 성직자들에 의해 심하게 뿌리를 내 렸습니다. 그리고 약 6 세기 동안 지속 된이 극장은 그 당시 가능했던 유일한 창구 인 교회 예배 식과 미스터리를 뚫고 거의 기적에 의해 살아 남았습니다.
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그리고 심지어 12 세기에서 15 세기 동안 중세 말기에 예술가, 음악가 또는 서커스 공연자가되는 것은 상당히 위험했습니다. 거룩한 종교 재판소의 스테이크에서 화상을 입었을 때, 생명으로 이것을 지불 할 수있었습니다. 완전히 설명 할 수없는 방식으로, 연극 예술은 여전히이 천년 동안 지속되어 거의 천년 동안 지속되었습니다. 작은 방황하는 극장 극단이 오늘의 악의를 위해 성스러운 코미디를 연주하고 재 작업 된 미스터리 드라마 덕분에 살아 남았습니다.
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부흥은 모든 예술의 자유를 깨끗이 깎아 냈으며 극장도 예외는 아니었다. 골동품 이미지와 샘플로 짧은 시간 동안 돌아 왔을 때, 연극 예술은 힘과 주요 기술 진보를 사용하여 빠르게 발전하기 시작했습니다. 도시의 공연을 위해 특별 공연이 만들어졌습니다. 시간이 지남에 따라 서로 경쟁하는 전문 극장 단이 종종 등장했습니다. Lope de Vega, Calderón, Cervantes. 또는 주요 배우 또는 관리자는 Marlo 또는 Shakespeare와 같이 극작가에게 독점 드라마를 주문합니다. 연극 예술의 다양한 유형과 장르가 개발되었습니다.
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그 후, 19 세기 말까지 거의이 극장은 고전주의, 깨달음, 낭만주의에서 감상주의와 상징주의에 이르는 미학적 경향에 기초하여 발전했다. 오랫동안 주인공은 극작가, 배우 및 기업가였습니다.
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20 세기 초부터 위의 모든 미학이 패배하면서 거의 삼키면 서 현실주의가되었습니다. 그리고 그것으로 감독 극장의 시대가왔다. 고든 크레이그, Konstantin Stanislavsky, Vsevolod Meyerhold, Alexander Tairov, Evgeny Vakhtangov, Bertorld Brecht, Charles Dullen, Jacques Lecock-그들은 자신의 극장 학교와 방법을 만들어 그 극장의 기초를 놓은 사람들이었습니다. 시간.
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현대 극장은 밝고 때로는 예측할 수 없습니다. 고전은 또한 보존, 보존, 사건, 행동, 환생, 놀이, 예술가, 감독 등 흔들리지 않는 가정이 지배하는 곳에 보존되어 있습니다. 그러나 새로운 기술의 개발, 영화 및 컴퓨터 기술의 사용으로 인해 가장 오래된 자료조차도 새로운 형태의 프레젠테이션이 생겨나 고 다시 태어나고 다시 태어납니다. 드라마와 다큐멘터리 극장, 현대 무용과 판토마임, 오페라와 발레와 같은 현대 극장에는 유기적으로 공존합니다.
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